Постпроизводство

Постпроизводство

 

 

Теперь у вас есть куча пленки или видеокассет, аудиозаписей и других заметок. Следующим шагом будет превращение этого всего в настоящее кино.

Молва: По мере приближения времени, когда ваш фильм поступит на продажу, вы не захотите утратить движущую силу слухов о вашем детище.

Видеомонтаж: Практически каждый может позволить себе приобрести компьютер, способный к редактированию фильма. Но есть еще много большее, чем просто наличие оборудования.

Звук: Он также важен, как и изображение в безупречном, профессиональном фильме.

Музыка: Если вы хотите уточнить вашу точку зрения, создайте настроение.

Диалоги (ADR): Ваш зритель не поймет фильма, если диалоги звучат неестественно или неслышно.

Звуковой фон: Что, наконец, сделает ваш фильм более реалистичным, так это небольшие звуковые фоновые наложения.

Монтаж видео / редактирование

 

Что такое монтаж?

Монтаж, или редактирование - это процесс подбора видеоизображения или звука, который будет включен в готовый фильм. Первоначально это выборка материала, какой удачен, а какой - нет, удаление плохого материала, расставление отснятых кадров в соответствии со сценарием. Позже это будет создание либо регулирование того, какие отснятые моменты подходят или не подходят согласно задумке режиссера. Далее мы будем обсуждать видеомонтаж, а описание работы со звуком можно увидеть в соответствующем разделе.

В повествовании вашей киноистории последнее слово стоит за монтажером (редактором). Закончился производственный ажиотаж и давление, денежные затраты значительно сократились, и монтажер берется за работу. Отснятые сцены, которые трудно назвать идеальными, нужно улучшить, или хотя бы скрыть дефекты.

Лучшим способом обучения видеомонтажу является просмотр множества хороших фильмов. Прямо как в написании сценария, каждая сцена - это небольшая история сама по себе, и каждая сцена должна быть абсолютно необходима; в противном случае она не вписывается в фильм. Монтажер должен понимать суть каждой сцены так же хорошо, как и режиссер (если это не один человек), они должны работать над реализацией одной и той же задумки.

Первый шаг - это протоколирование фильма. Нужно просмотреть каждую отснятую сцену, сделать заметки по таким параметрам, как качество игры актеров и технические недостатки. Использование систем нелинейного монтажа делает более легким процесс перемещения сцен, относящихся к разным эпизодам фильма, в разные подкаталоги, что позволит быстро создать первый черновой (предварительный) монтаж.

Нарезы и переходы

Системы нелинейного монтажа поддерживают сотни различных эффектов и переходов. Единственными переходами, используемыми в кино, за редким исключением, являются простая обрезка и наплыв. Все остальные переходы только отвлекают зрителя.

Вообще, каждая сцена начинается с обзорного или общего плана, затем обзор сокращается до более близких ракурсов актеров и прочих действий. Во время наиболее драматических моментов для подчеркивания драмы включаются очень крупные планы. Когда развитие событий ускоряется, длительность кадров необходимо укорачивать.

Обрезки между кадрами стоит выполнять в моменты, когда актеры находятся в движении. Это, как правило, позволяет скрыть любые несоответствия между кадрами.

Первый черновой монтаж может занимать несколько месяцев, и может быть несколько версий чернового монтажа, прежде чем режиссер и монтажер придут к согласию.

Далее процесс может длиться еще несколько месяцев, ненужные сцены будут удаляться, а оставшиеся сцены - растягиваться.

На завершающей стадии, при наличии готового монтажа, подключаются к работе звукорежиссер и композитор. Они добавляют звуковые эффекты и музыкальную партитуру.

 

Как делать монтаж фильма?

 

Протоколирование и монтажная сборка

Просматривайте и прослушивайте весь материал. Делайте в блокноте заметки о вашей реакции на увиденное, и все идеи, пришедшие вам в голову. Используйте покадровый временной код, чтобы привязать ваши мысли конкретным кадрам, и не глупите, полагая, что вы вспомните эти мысли позже. Для большого проекта первым монтажом будет грубый вариант, составленный из всех кадров, собранных вместе. В этой сборке будет минимальное количество изменений для повествования истории. Данный монтаж позволит получить представление о проекте в целом до того, как вы начнете концентрироваться на деталях.

Первый черновой монтаж

Теперь вы приступаете к черновому монтажу. Взяв одну сцену для обработки, начните работать над всеми дублями, чтобы найти лучший, наиболее приемлемый материал. Сцены могут быть смонтированы в любом порядке, и важно, чтобы каждая сцена "работала" сама по себе. Когда у вас будет хорошая рабочая версия сцены, поменяйте ее в монтажной сборке, тем самым постепенно наращивая весь монтаж в комплексе. Старайтесь сохранять версии вашего монтажа по нескольку раз на день, чтобы иметь в наличии все сделанные записи.

Во время чернового монтажа следите, чтобы звук и видео были синхронны. Можете начать отключать или удалять ненужные звуки, но не нужно пока накладывать никакого дополнительного аудио. Сырой монтаж можно считать завершенным, когда каждая сцена была индивидуально просмотрена и добавлена в сборку.

Если у вас будет возможность, возьмите перерыв, если возможно, на ночь, и просмотрите результат монтажа без остановки. После этого возьмите блокнот и начните рецензировать фильм, останавливаясь и делая заметки по необходимым, как вам кажется, изменениям. Для полнометражного фильма этот процесс может затянуться на несколько часов.

Главный монтаж

Тут мы подходим к процессу точного монтажа. У каждой сцены будут свои индивидуальные проблемы, и теперь все они являются частью единого фильма. Станут очевидны моменты, где сцены взаимозависимы. Эта стадия может оказаться сложной, т.к. некоторые вопросы могут показаться неразрешимыми. Уверенно двигайтесь дальше.

На этой стадии могут быть внедрены основные звуковые эффекты и музыка. И в комплексе весь монтаж будет разрастаться. Постарайтесь использовать максимум идей, убедитесь, что каждая версия надежно сохранена и при необходимости может быть восстановлена. Тем моментом, когда грубый монтаж становится чистым монтажом, не всегда, но в большинстве случаев, будет тот, когда редактор ощущает, что каждая идея была тщательно испробована.

Позовите других людей для просмотра вашего чистого монтажа. Свежий взгляд при просмотре фильма позволит выявить те проблемы, которые вы упустили раньше. Придайте особое внимание всем вопросам, которые зададут зрители. Даже вскользь озвученные вопросы могут проявить дыры, которые вы пропустили и безуспешно пытались разрешить.

Финальный (чистовой) монтаж

Ваша работа не заканчивается, пока несколько новых зрителей не просмотрят ваш материал, и после чего вы доработаете возникшие вопросы. Если возникли серьезные проблемы, с которыми вы ранее никогда не сталкивались, то сейчас самое время, когда вы должны проявить храбрость с материалом и смело начать экспериментировать. Это может означать возврат к грубому монтажу в одной или паре сцен.

Чистый монтаж сам по себе - процесс выстраивания до идеальной точной картинки в каждом отдельном монтажном материале фильма, получая максимум в каждом действии. Не прекращайте работать на этом уровне детализации, пока не будут успешно разобраны все задачи в фильме. Как только финальный монтаж утверждается, кинофильм считается заблокированным, и уже не вносятся никакие правки. Проект переходит полностью на звуковую обработку, и работа редактора здесь прекращается. Сделайте резервное копирование всех рабочих файлов. Вы выполнили свою работу.

 

Техники, виды и приёмы монтажа

 

Базовые правила и приемы


Развернутые статьи по монтажу


7 правил монтажа Эдварда Дмитрыка

 

  1. Никогда не режьте без причины

  2. Если не можете определиться с точным местом склейки, оставляйте более длинный кадр

  3. Если это возможно, режьте всегда «в движении»

  4. Лучше оригинально (fresh), чем банально (stale)

  5. Все сцены должны начинаться и заканчиваться продолжающимся действием

  6. Режьте по смыслу, а не по сочетаемости

  7. Содержание первично - затем форма


Критерии монтажа Уолтера Марча

6 основных критериев, влияющих на то, где резать и зачем резать. В порядке значимости:

  • Эмоции (51%) - соответствует ли обрезка тому, что, по мнению монтажера, должен прочувствовать в этот момент зритель?

  • История (23%) - развивает ли обрезка сюжетную линию?

  • Ритм (10%) - является ли обрезка «в данный момент ритмично интересным и верным» решением?

  • Взгляд / Eye-trace (7%) - соотвествует ли обрезка «положению и движению зрительского взгляда, вниманию зрителя внутри кадра»?

  • Двухмерная плоскость экрана (5%) - сохраняется ли правило 180 градусов?

  • Трехмерное пространство действия (4%) - достоверны ли физические/пространственные взаимные расположения в сцене?


Советы американских монтажёров

 

Журнал Cinema Editor, перевод - fcpug.ru

Выключение звука
- Выключайте звук для более правильного монтажа.
- Чтобы убедиться в том, что ваша история действительно работает, выключите всю фоновую музыку и посмотрите видео без неё. Все монтажные проблемы спрятанные темпом музыки сразу же дадут о себе знать.
- Выключение звука при просмотре поможет вам лучше оценить монтаж.
- При монтаже сцен с эмоциями, физикой и небольшим количеством текста, выключите звук и делайте монтаж без него. После монтажа включите звук и наслаждайтесь решением, которое бы никогда бы не пришло в голову елсли бы вы отвлекались на текст героев.

Звук и видео
- Никогда не отрезайте аудио в той же точке, что и видео, если не хотите, чтобы зритель увидел склейку.
- При монтаже в такт музыке резать кадры на кадр вперёд такта.

О сцене
- Посмотрите на картинку в целом. Не работайте с одной сценой слишком долго, часто важна связка сцен а не одна. Смотрите несколько сцен сразу и вы увидите где проблема.
- После завершения монтажа сцены внимательно посмотрите её и спросите себя: насколько действительно важными были монтажные склейки в этой сцене? Удалите всё лишнее, максимально упростив монтаж.
- Решите сцену, не халтурьте.
- Посмотрите материал перед тем как начать монтаж. Вы должны иметь представление о том, как хотите собрать сцену перед тем, как начнёте работать над ней.

Остальные советы
- Добавьте кадр или два, дублирующие движение при склейке от крупных к общим планам в экшн сценах. Это даст глазу время, чтобы найти эти действия.
- Моргание глаз актёра в конце склейки может причинять дискомфорт, отрезайте кадр до моргания или оставляйте достаточно кадров после, чтобы склейка была ровной.
- Не перестарайтесь с монтажом в сценах, когда общаются в кадре два или три человека. Говорящий не всегда должен быть в кадре, в самый драматичный момент лучшее решение, это показать слушающего, чтобы позволить зрителю тоже слушать текст, а не смотреть его.
- Реакции очень важны для раскрытия истории.
- Следуйте своим инстинктам.
- Избегайте диалога по спинам людей, когда это возможно.
- Будущее монтажа - внутри кадра.

- Монтаж по движению часто маскирует несоответствия в кадрах и делают склейку более интересной.
- Выспитесь. На свежую голову работается лучше.
- Нет никаких правил.

Последовательный монтаж

 

Как правило, при использовании последовательного монтажа эпизоды, сцены и кадры, показывающие последовательное развитие событий, выстраивают друг за другом в хронологическом порядке.

И не удивительно, что такой монтаж является простым и интуитивно понятным зрителю, поэтому-то и находит самое широкое применение. Смена места событий может быть обозначена простым стыком разноплановых сцен с резким изменением характера звукового сопровождения.

Новый колорит последующего кадра также вызывает ощущение пространственно-временного скачка. Для однозначного указания зрителю того, что место действия в кадре уже изменилось, используют титры, как в немом кино, или специальные компьютерные эффекты.

Фрагменты с однотипными событиями лучше разделить сценой из параллельной сюжетной линии, в крайнем случае, надо позаботиться, чтобы напряженность этих событий поступательно нарастала, иначе фильм покажется искусственно затянутым.

Если в смежных кадрах представлены события, разделенные временем, особенно снятые в одном и том же месте или при подобном окружении, то стык надо выделять специальными средствами. Длительные промежутки времени обозначают уходом в затемнение в конце предыдущей сцены и выходом из него в начале следующего кадра.

Можно использовать специальные переходные эффекты, например перелистывание кадров или трехмерные перевороты, «старение» картинки (изображение постепенно выцветает, и на нем появляются технические дефекты) и т. д.

Промежуток времени иногда указывают и явным способом с помощью титров («прошло три месяца», «полгода спустя») или специфичного разделителя (кадра с часами, календарем, картинами природы с изменением сезона и т. п.).

Можно, наконец, включить на видеокамере отображение даты и времени, но этот способ имеет существенный недостаток: привязывает кадр к конкретному месту фильма, его части нельзя переставлять местами, если понадобится согласование при монтаже, да и зритель может не обратить на это внимание.

Продолжительный и упорный труд показывают многократными наплывами на одного и того же героя, занимающегося одним и тем же делом, возможно, с изменением ракурса или угла зрения. Полезность стараний подчеркивают, отображая постепенное формирование продукта деятельности. Длительность процесса зритель сможет определить по изменению обстановки в кадре (например, за окном переменилась погода или наступило иное время года).

Наплывом на следующий кадр, в котором изменился масштаб изображения или освещенность сцены, показывают скачок времени в небольших пределах без изменения места событий. Дополнительно можно показать, что в ожидании встречи герой к вечеру оброс щетиной, а цветы в его руках завяли.

Примечание. Наплыв — это плавное проявление последующей картинки на фоне постепенного исчезновения предыдущей в течение 1-3 секунд.

Правило 30 градусов

 

Правило 30 градусов - базовая рекомендация при монтаже, гласящая, что камера должна менять угол как минимум на 30 градусов при съемке одного объекта в подряд идущих кадрах. Такой смены ракурса будет достаточно, чтобы добиться отличных друг от друга кадров и избежать скачка. Слишком большой угол смены ракурса может нарушить правило 180 градусов.

По словам Тимоти Корригана и Патриции Уайт в книге «The Film Experience», «Цель данного правила - придание особого значения мотивам смены кадра, давая существенно иной взгляд на действие. Переход между двумя кадрами с углом менее 30 градусов может быть воспринят как излишний или скачкообразный, одним словом, заметный.» (2004, 130)

Данное правило - это на самом деле частный случай более общего утверждения, в котором говорится, что если два последовательных кадра являются слишком схожими, то теряется мотивация для обрезки. Уолтер Марч в своей книге «In The Blink of an Eye» утверждает: «Мы с трудом воспринимаем как резкие смещения, так и едва заметные. Например, переход от полноразмерного мастер-плана на чуть более урезанный, до ступней: новый кадр достаточно отличается от прежнего как сигнал чего-то изменившегося, но недостаточно отличается, чтобы заставить нас переоценить ситуацию.» (2006, 6)

Следование этому правилу позволит смягчить эффект смены расстояния, например, при переходе от среднего плана к крупному.

Нарушение правила 30 градусов, так называемый скачок (jump cut) можно увидеть на этом примере (5:43).

Для достижения особого эффекта иногда специально нарушают правило, используя так называемый осевой монтаж (axial cut).

 

Скачок

 

 

Скачок (jump cut), или «рваный монтаж» - это тип склейки в монтаже, при котором два последовательных кадра одного объекта имеют лишь незначительные отличия. При этом наблюдается скачкообразность позиции объекта. По этой причине скачки считаются нарушением классического подхода последовательного монтажа, задачей которого является визуальное скрытие склеек и сохранение временной и пространственной целостности видеоряда. Скачок, наоборот, акцентирует внимание на создаваемом характере видео. Данный термин иногда используется в более свободной интерпретации, когда идет склейка между двумя объектами. Хотя это не является настоящим скачком, независимо от того, насколько сильно эффект бросается в глаза. Также нужно обратить внимание на отличие между скачком и несовместимостью событий, когда объект вроде сохранил преемственность, а фон, окружающая обстановка неожиданно изменилась.

Несовместимость (impossible continuous action) можно увидеть на примере сцены «Патриция в машине» из фильма Годара «На последнем дыхании».


В последовательном монтаже используется принцип, называемый Правилом 30 градусов, который позволяет избежать скачков; принцип гласит, что при смене кадров нужно менять угол обзора камеры как минимум на 30 градусов. Также рекомендуется менять план (например, со среднего на крупный). Если разница между двумя шотами будет недостаточно явной, то зритель расценит склейку как скачок, который отвлекает. Скачок может возникнуть как при монтаже непоследовательных кадров (пространственный скачок - Spatial Jump Cuts), так и при удалении средней части одного видеоряда (временной скачок - Temporal Jump Cuts).

История

Джордж Мельес известен как родоначальник скачков, обнаруживший этот эффект случайно, а затем использовавший его для имитации магических трюков. Хотя он пытался выполнить обрезку кадров плавно, для полноты иллюзий.

Современное применение скачков возникло в работах Жана Люка Годара (с подачи Жан-Пьера Мельвилья) и других французских режиссеров Французской Новой Волны эпохи конца 50-х и в 60-х. В вышеупомянутом ролике в кабриолете «На последнем дыхании» преднамеренно присутствуют пробелы между кадрами, например, когда у актрисы в руках вдруг появляется зеркальце.

Скачок появлялся в фильмах «В прошлом году в Мариенбаде», и в сцене «надувной матрац Миссис Робинсон» из фильма «Выпускник». В дальнейшем данный эффект имел место в работах «Большой Куш» Гая Ричи, «Беги, Лола, Беги» Тома Тыквера. Присутствовал в «Монстрах Universal». Его часто используют на телевидении, например, в документальных фильмах Discovery Channel и National Geographic. Популярен в монтаже музыкальных клипов.

Намеренное использование

Иногда скачок используется в политических фильмах. Он использовался в технике отчуждения Брехта (Verfremdungseffekt), когда публику осознанно отдаляют от нереального киномира, и фокусируют его внимание на политическом посыле, а не на драматургии или эмоциональном восприятии, как в том же «Броненосце Потемкине» Эйзенштейна.

Неформально термин «скачок» используется для описания какой-то резкой и заметной склейки. На самом деле, это некорректное использование термина. Известна сцена «Dawn of Man» в конце фильма «2001 год: Космическая одиссея». Обезьяны обнаруживают возможность использования кости как оружия, и начинают бросать ее вверх. Когда кость достигает своей высшей точки полета, идет обрезка на кадры полета космической станции на орбите Земли. Этот монтаж был назван jump cut, в том числе об этом рассказано и наDVD релизе. Но более корректно это назвать визуальным совпадением (match cut, graphic match), т.к. зритель замечает метафорическое сходство между костью и кораблем, а не разрыв между кадрами.

Скачок был необычной техникой для телевидения до появления телешоу вроде «Homicide: Life on the Street», популяризировавших эффект на малом экране в 90-х. Также известнен в успешной компании переизбрания президента США Рейгана.

Иногда скачки используются в нервотрепещущих сценах поиска, как это реализовано в фильме Луна (2009), когда положительный герой ищет секретную комнату на космическом корабле, или в «Районе №9», когда Викус ищет запрещенные вещи в доме друга Кристофера.

Редактор сериала «Хохмы Роуэна и Мартина» Артур Шнейдер в 1968 году получил Эмми за новаторское использование скачка - уникальный стиль монтажа, когда переход между эпизодами был резким, без затемнения.

Все о монтажных кадрах

 

Если кадры сняты в одном месте и в одно время, то это еще не значит, что зритель воспримет их как элементы единой сцены. Некоторые кадры легко стыкуются между собой, а другие могут быть совершенно несовместимыми. Искусство монтажа, в частности, заключается в том, чтобы сцена, эпизод и весь фильм развивались плавно, без рывков и скачков.

Если придерживаться определенных правил согласования, применяя их и поодиночке, и комплексно, можно состыковать кадры сцены так, что они будут восприниматься зрителем без склеек, образуя монтажный кадр. При таком монтаже отпадает необходимость в частом использовании трансфокации для выделения сюжетно важного элемента и можно выбрать только удачные по композиции картинки, сама сцена и весь фильм будут смотреться более естественно и профессионально. Монтажный кадр значительно сокращает длительность сцены, повышая динамизм повествования. Рассмотрим главные правила построения монтажного кадра, которые пригодятся для монтажа и остальных структурных элементов фильма.

Чередование крупности планов. Если масштаб объекта в смежных кадрах меняется на одну ступень и менее, то объект (герой) будет выглядеть прыгающим с места на место, даже если его положение на экране сместилось незначительно. Масштаб удаленных предметов изменяется гораздо медленнее, чем близлежащих, поэтому окружение «прыгает» еще больше. Особенно неприятное впечатление вызывают скачки горизонта.

Если же масштаб объекта меняется резко (более чем в 4 раза), то зритель вовсе теряет ориентацию и ему потребуется некоторое время, чтобы найти героя на экране и восстановить связь с увиденным ранее. При таком стыке может возникнуть ощущение смены места и времени событий, и сцена утратит целостность.

Для смежных кадров оптимальным можно считать увеличение или уменьшение масштаба изображения сюжетно важного объекта в 2,5-3 раза («золотая пропорция» дает число 2,62), то есть на две ступени или через план.

Чтобы не прыгали окружающие предметы, надо изменить до 45° угол зрения на объект или ракурс съемки. Положение линии горизонта лучше или сохранить, или хотя бы в одном из соседних кадров не выделять его явно. Вполне допустимо чередовать детальный и крупный планы, так как окружение здесь отображается не в фокусе. Можно стыковать также общий и дальний планы, так как в этом случае изменение масштаба трудно отнести к изображению героя, которое становится соизмеримым с размерами окружения, но и здесь лучше изменить угол зрения .

Нежелательно в одном и том же монтажном кадре постепенно увеличивать и затем так же уменьшать (или наоборот, уменьшать, а потом увеличивать) масштаб изображения некоторого объекта. Это выглядит неестественно и непрофессионально. Такое же впечатление вызывает применение последовательного наезда и отъезда камерой или трансфокатором на одного и того же героя. Эти две процедуры лучше разделить кадром, показывающим окружение.

Согласование по направлению. Смежные кадры должны быть согласованы по направлению движения объектов на экране, если же объект перемещается слева направо, а в следующем кадре наоборот, то у зрителя может возникнуть ощущение, что это двойники стремятся навстречу друг другу. Если футболист бьет по мячу слева, то в следующем кадре ворота соперника должны находиться в правом углу экрана. Итак, объект в смежных кадрах должен двигаться в одну и ту же сторону экрана, а для показа движения навстречу героев направляют от разных краев соответствующих кадров к центру. Если персонажей изображать движущимися от центра экрана к краям, то это будет восприниматься как расхождение.

После съемки с левого и правого борта движущегося вдоль улицы автомобиля здания будут перемещаться в противоположные стороны экрана; для согласования таких кадров между ними надо вставить кадр-разделитель, например кадр с видом по ходу движения вперед или назад. При съемке панорамы в начале и в конце необходимо сделать статичные куски, чтобы в дальнейшем не было проблем стыковки по направлению панорамирования.

Смежные кадры должны быть согласованы не только по направлению движения, но также по направлению взгляда или жеста персонажа, удара или вектора силы и т. п. овместные усилия команды, тянущей канат, должны быть направлены в одну и ту же сторону экрана. Для показа противостояния направление взглядов героев в смежных кадрах нужно обратить в противоположные стороны. И в диалогах герои на чередующихся кадрах должны смотреть в центр с разных краев экрана.

Общее правило согласования заключается в том, что при изменении угла движения (или действия) в смежных кадрах менее чем на 90° направление воспринимается как неизменное или согласованное. Направление под углом более 90° воспринимается как встречное или как противодействие. Характер изменения направления на 90° не определен. В этом случае кадр может служить разделителем при возникновении трудностей согласования.

«Восьмерка». Частным, но очень важным случаем согласования по направлению является так называемая «восьмерка». Когда в смежных кадрах камера разворачивается в противоположные стороны.

Собеседников (соперников) показывают из-за плеча друг друга. Если одного человека снимать из-за правого плеча его собеседника, то второго надо показать из-за левого плеча первого. Масштаб изображения персонажей следует сделать одинаковым и достаточно крупным. Лицо должно быть в фокусе, а плечо его визави лучше сделать нерезким. В текущий момент можно показать лицо того партнера, который произносит слова (кроме кратких реплик), но будет нелишним заснять и реакцию слушателя на звучащую речь. Плечо или затылок собеседника достаточно отобразить только первый раз, далее это делать не обязательно, так как однообразие быстро надоедает, как и слишком частое чередование кадров.

Не надо затягивать крупные планы, их лучше размежевать изображением окружения.

При съемке оратора и слушателей (артиста и публики, тамады и гостей за столом) существует разница в точках взгляда, одна выше другой. Поэтому в смежных кадрах желательно кратковременно применить наклон камеры (ракурс): слушателей показать с верхней точки взгляда, оратора - с точки взгляда сидящего ниже слушателя. Длительная съемка людей при наклоненной камере нежелательна, вполне достаточно снять с ракурсом только один из каждой пары кадров. Чтобы избежать нижней точки взгляда, можно отойти подальше и снимать телеобъективом.

Если говорящий слегка развернут влево, то слушающие должны быть показаны с разворотом вправо в такой же степени и наоборот.

«Восьмерка» в смежных кадрах применяется и к одному персонажу. Для уточнения положения героя на местности масштаб изображения спереди и сзади лучше делать одинаковым (общий или дальний план). А когда герой уходит со сцены, в следующем кадре его показывают спереди более крупным планом с резким изменением фона; если человек входит в здание, то следующий кадр надо сделать из помещения на фоне открытой двери.

С помощью «восьмерки» можно показать окружение сцены, проследить за взглядом героя и отобразить нечто увиденное им. В таких случаях также применяют съемку с ракурсом.

При монтаже «восьмерки» необходимо учитывать следующие правила:

1. Камера во время съемки не должна пересекать линию, соединяющую взаимодействующих персонажей (в первую очередь - положение их глаз) или оба положения героя, иначе зритель потеряет пространственную ориентацию. Микрофон также не должен пересекать линию взаимодействия, иначе исказится стереофония;

2. Фон (окружение) в смежных кадрах значительно изменяется, но некоторые предметы делжны легко угадываться с противоположных сторон для облегчения привязки кадров по месту;

3. Eсли линия взаимодействия явно отличается от горизонтальной, то следует применить ракурс, причем точкой зрения (точкой съемки) можно подчеркнуть симпатии автора.

Фаза движения. При смене масштаба изображения или при монтаже «восьмерки» необходимо сохранять фазу движения объектов на экране. Требуемая точность зависит от скорости движения и часто не превышает 0,1 секунды, что осуществимо только при компьютерном монтаже. Если фазу не отслеживать совсем, то стык потеряет плавность.

Сохранение фазы однократного движения (жест, мимика, удар по мячу, наклон дерева от порыва ветра) возможно только при монтаже кадров, снятых синхронно двумя камерами, что в любительской практике применяется крайне редко. В таких случаях проще использовать разделительный кадр, в котором фаза движения не прослеживается.

Легко согласовывать по фазе циклически повторяющиеся движения (шаги, вращение педалей, жонглирование, танцевальные па), так как номером периода всегда можно пренебречь. Правда, для этого надо иметь запас таких циклов для разных планов изображения.

Стык легче делать в начале или в конце очередного периода движения, так как среднюю фазу цикла отследить очень трудно. Моменты постановки ноги на землю, поднятия рук в наивысшую точку и т. п. при замедленном просмотре вперед или назад определяются довольно просто.

Согласование по композиции. Чтобы после стыка пленки зрителю не приходилось искать героя по всему экрану, соседние кадры надо согласовывать по расположению деталей и частей изображения, то есть по композиции. Резкое изменение освещенности или колорита сцены также вызывает ощущение временного и пространственного скачка. Подобная проблема возникает и при стыковке кадров, снятых двумя камерами одновременно, так как они могут иметь разную настройку баланса белого.

1. Смещение сюжетно важного элемента (центра внимания) рекомендуется ограничить третью ширины и высоты экрана.

2. Площадь больших темных или светлых участков в соседних кадрах не должна измениться больше чем на треть.

3. Новые цвета не следует вводить более чем на трети площади экрана.

4. Присутствие общего предмета фона в смежных кадрах (угол дома, часть окна, предмет обстановки) облегчит пространственную привязку.

5. При изменении цветовой температуры источника света (облако закрыло солнце) между кадрами обязательно вставьте разделитель (кадр с облачным небом).

Кадр-разделитель. Для соединения кадров, не согласуемых по выше рассмотренным правилам, используется разделитель (или «перебивка»). Между плохо стыкуемыми кадрами можно показать крупный план второстепенного по содержанию предмета (например, деталь интерьера или лицо водителя при съемке городских пейзажей из автомобиля), можно показать окружение сцены (например, заходящее солнце при съемке вечерней прогулки). В качестве разделителя можно использовать также подходящий переходной эффект.

Слишком затянутые кадры, в том числе и монтажные, навевают тоску. Поэтому перебивку можно использовать и для сокращения видеоряда, здесь уместна вставка архивов по теме повествования. Надо лишь избегать многократного возврата к продолжению одного и того же кадра, как и всякого однообразия.

Источник: http://videomount.blogspot.com

Параллельный монтаж

 

Чередуя фрагменты сцен с одновременно происходящими в разных местах событиями, можно подчеркнуть их взаимосвязь, сопоставить или противопоставить героев и явления, сделать анализ событий, то есть отделить причину от следствия, предысторию от результата.

Параллельный монтаж используют также для разрешения затруднений при стыковке кадров. С помощью этого метода значительно сокращается общая длительность сцен и эпизодов, а фильм в целом становится динамичнее, так как появляется возможность исключить рутинные и малоинтересные действия героев, не вызывая скачков в развитии действия.

В одну цепочку можно объединять две или три сюжетные линии, так как отслеживать большее количество параллельных событий весьма затруднительно. Разрывать сцену лучше в самом драматичном месте, тогда зритель будет ожидать продолжения с интересом и вниманием.

А чтобы не тратить дополнительное время на повторное введение в курс событий, существенное изменение обстановки в сюжетной линии должно происходить на экране, но не за его пределами, окружение продолженной сцены должно легко угадываться зрителем. Можно возвращаться в момент разрыва, но лучше избегать даже кратковременного повтора (перекрытия) одного и того же действия.

Многократное прерывание сцены быстро надоедает, вспомним телесериалы! В каждом отдельном фрагменте обязательно должно произойти что-то интересное или существенное, иначе разрыв в представлении некоторого события будет выглядеть надуманным и лишним. Чтобы подчеркнуть взаимосвязь событий, бывает достаточно переключиться на параллельную линию всего один раз. Для обозначения равнозначности действий фрагменты чередующихся сцен делают примерно равными по длительности и по крупности планов.

«Одновременные» события вне помещения происходят (должны представляться на экране) в одинаковое время суток и время года, при той же погоде и т. п. Впечатление от съемок внутри здания может испортить пейзаж за окном, противоречащий остальным обстоятельствам и обстановке.

Одновременность дополнительно можно подчеркнуть наплывом на параллельную сцену, уместным окажется и перекрытие звуковых дорожек. Когда параллельные события развиваются и перекликаются на протяжении длительного времени, то не надо забывать, что за весной приходит лето, потом осень, зима и т. д., как и после утра наступает день, вечер и ночь.

 

Перебивка, кивок, склейка на объекте

 

Перебивка

Перебивка (Cutaway / C.A.), или склейка на сторону - это разрыв последовательно снятого действия путем вставки кадра с чем-то иным. Обычно, чуть ли не всегда, перебивка используется во избежание скачка.

Метод

Перебивки не преследуют цели работать на драматургию фильма. Часто они нужны монтажеру для компоновки более длительного видеоряда. По этой причине монтажер выбирает перебивку, связанную с основным действием, например, другое действие или объект в этой же локации. К примеру, если основной кадр - это прогуливающийся по переулку мужчина, возможны перебивки с проходящим рядом котом или с женщиной, глядящей на мужчину из окна.

Использование

Наиболее распространенные применения перебивок в драматических сценах - это регулирование темпоритма, скрытие неудачных основных кадров, роль «буферного» кадра для скрейки двух разных дублей основного кадра. Например, сцена может быть улучшена обрезкой нескольких кадров во время паузы актера. Кратковременный вид слушателя поможет скрыть паузу. Или когда актер в некоторых эпизодах портит дубль групповой сцены. Вместо того, чтобы удалять хороший ряд, можно вставить в неудачных местах те самые перебивки.

Также перебивки часто использовались в старых фильмах ужасов вместо спецэффектов. Например, в кадре с отрубанием головы зомби сперва можно показать взмытый в воздух топор, затем крупный план актера, наносящего удар, и потом кадр с отрубленной головой. Джордж Ромеро, автор «Мертвецов», и Том Савини впервые реализовали спецэффекты, которые не требовали перебивок в этих сценах.

В телеэфире с новостями или в документальных работах используются перебивки как фикция. Часто для интервью используется лишь одна камера и она обычно направлена на интервьюируемого. Часто имеется только один микрофон. После интервью задававший вопросы обычно заново наговаривает на камеру свои вопросы, а также кадры для показа реакции интервьювера (кивки, улыбки и пр.), на ответы респондента. Эти кадры называются кивками (Noddy / N.S.) и также используются как спасательный вариант при монтаже в случае не совсем удачного основного кадра, заминки респондента, либо для придания большей динамики и интереса сцене.

Склейка на объекте

Склейка на объекте (Cut-In / C.I.) - это частный случай перебивки, в которой идет переход на часть снимаемого объекта, на деталь.

Может быть использована как монтажная метка, в качестве усиления эмоционального восприятия, пр. Например, движения рук, демонстрирующие воодушевление, волнение, беспокойство и т.д.

Склейка на действии, через плечо,

 

 

реверс, субъективный монтаж, осевой

 

монтаж

 

Склейка на действии

Склейка на действии (сutting on action) - одна из техник монтажа, когда монтажер удачно сопоставляет два кадра, сохраняя целостность действия. Хотя два кадра могут быть сняты с разницей в несколько часов, подобная склейка при просмотре фильма создает впечатление целостности во времени. Когда объект в первом кадре начинает действие, а затем в следующем продолжает и заканчивает его, монтажер создает визуальный мост, который не дает зрителю заметить склейку или какие-то ошибки преемственности между кадрами.

Как пример, объект сначала выходит из кадра и затем заходит в кадр. Вхождение в кадр должно соответствовать направлению и темпоритму из первого кадра. Частный случай - персонаж в первом кадре открывает дверь с наружной стороны, в следующем кадре - входит изнутри. Ниже - пример склейки на действии из фильма «Траффик».

Реверс

Реверс (Reverse shot, countershot / R.S.) - план, в котором показан персонаж, смотрящий на объект, находящийся за экраном. Монтируется с кадром, в котором показан другой персонаж, смотрящий в противоположном направлении. Поскольку персонажи при монтаже показаны обращенными лицом в разных направлениях, создается впечатление, что они смотрят друг на друга. Склейка реверс планов называется «shot-reverse-shot».

Через плечо

Через плечо (Over the shoulder / O.T.S.) - стандартный план для диалогов. Камера находится позади одного из участников диалога, который обычно занимает около 1/3 пространства кадра. Этот кадр позволяет зрителю понять нахождение в пространстве каждого персонажа, и дает эмоциональное ощущение взгляда на собеседника с позиции участника диалога.

Последовательность кадров, снятых через плечо или реверсом, еще называют «восьмеркой» или «крестом».

Субъективный монтаж

Субъективный монтаж - техника склейки в последовательном монтаже, в которой сначала показывается персонаж, смотрящий в какую-то сторону, и затем мы видим происходящее глазами героя (обзор визуальной перспективы объекта). План глазами героя называется точкой зрения (Point of view / P.O.V.). Монтаж выполняется таким образом, чтобы было четко понятно, чья точка зрения показана.

Т.е. окружающую обстановку как субъективное переживание человека показывают в той последовательности и ритме, как её видит и переживает персонаж.

В зарубежной терминологии есть понятие «eyeline match», которое имеет несколько другое значение. Сперва видим персонажа, который куда-то смотрит. Затем показываем то, что заинтересовало персонажа: другой персонаж, объект или просто вид; но не с точки зрения первого персонажа. Здесь выдерживается направление (и угол) взгляда персонажа, а также дальность плана.

 

Осевой монтаж

Осевой монтаж (axial cut) - тип скачка, когда камера резко приближается к объекту либо удаляется от объекта, по воображаемой линии, проведенной от объекта к камере. В то время как простой скачок, как правило, предполагает временной разрыв (прыжок во времени), осевой монтаж является способом поддержания иллюзии непрерывности. В современном кинематографе осевой монтаж используется редко, но был достаточно распространен в кино 1910-х и 1920-х годов.

Осевой монтаж можно получить, используя зум-объектив либо физически перемещая камеру на кране или тележке. Промежуточные кадры (когда камера движется или масштабирует) удаляются в монтаже. Т.к. кадры убираются, то данный метод работает лучше в статических кадрах. Если необходимо действие, может понадобиться несколько дублей для получения необходимого материала.

Кроме того, можно установить сразу несколько камер, снимающих объект с различных планов. Затем кадры с этих камер сопоставляют и добиваются нужного эффекта. Т.к. камеры нельзя разместить в одной точке, то всегда будет небольшое отклонение от оси. Если увеличить расстояние до объекта и использовать телевик (телеобъектив), заметного отклонения можно избежать.

Что такое футажи?

 

Футажи (от англ. footages - кадры), довольно обширное понятие. По сути, футажи являются основой для создания видео композиции, а так же могут являться конструктором для изготовления Ваших собственных, эксклюзивных футажей. Так что же такое футажи?

Футажи - это видео композиции, в состав которых могут входить: видео ряд, анимированные фоны, 3D элементы, анимированные титры, транзакции, и, так называемые, частицы.

Анимированные фоны - это совокупность изображений, с заданной траекторией движения.

3D элементы - анимированные объекты, созданные в пакетах 3D Max и Maya. MDE (Motion Design Elements) - Анимированные элементы.

Транзакции (Transition) - различные по составу и эффектам элементы, созданные в программах Illusion, 3D Max и др.

Существуют три основных типа футажей:

  • Анимированные фоны

  • Оверлейные маски

  • МД элементы

Область применения футажей, как правило, достаточно широка. Разнообразие тем, позволяет использовать данные технологии, как для монтажа домашних видео фильмов, так и для оформления телевизионных заставок самых известных телекомпаний мира. Широкую популярность приобрели футажи свадебной и праздничной тематики.

Футажи с успехом используют во всех странах мира, для оформления свадебных, детских и праздничных фильмов. Эти красивейшие спецэффекты, мощное оружие в руках монтажера. Овладев этой технологией, Вы сможете создавать чарующий и прекрасный мир в Ваших фильмах, который не оставит равнодушным ни одного зрителя.

Так сложилось что основным, универсальным форматом для футажей, является Quick Time Movie. Существуют два основных типа файлов: основанные на альфа канале, или без него. Футажи с альфа каналом это - оверлейные маски, титры, МД элементы, транзакции. Футажи без альфа канала, могут быть использованы, как подложка-фон, для основной композиции, титров, меню DVD. А так же, служить основой для оригинальной оверлейной маски, посредством, так называемой, прорезки фона, через градиентную маску (матовость трека).

Большинство футажей представляют собой, видео композиции циклического типа, то есть, входная и выходная точки идеально совпадают по движению. В результате многократной вставки на Тайм лайн (Time line) одного и того же футажа, длительность композиции может быть увеличена до нужной длины.

Грамотно выполненный фильм, это совокупность многих факторов. Конечно это сюжетная основа, или сценарий, качественно отснятый материал, но не маловажным фактором, влияющим, в итоге, на лучшее восприятие клиентом поданного материала, является монтаж.

Создать особое настроение, передать всю полноту ощущений, Вам помогут качественные спецэффекты и музыка. Футажи и смарт саунды, лучше всего справляются с такими задачами.

Безграничные возможности, открывающиеся перед монтажером, при использовании данных разработок, не только дают Вам шанс поднять фильм на качественно новый уровень, но и во многих случаях решить более сложные задачи, а именно, исправить некоторые ошибки, которые, иногда, допускают, даже самые опытные видео операторы.

Поистине, футажи, это универсальное решение для обработки видео материала, и просто необходимы всем, кто так или иначе связан с видео производством.

Программы для монтажа видео

 

Для создания видеоклипов и монтажа отснятого видео используются компьютерные системы редактирования. Эти нелинейные системы монтажа позволяют легко экспериментировать с идеями и создавать множество разных версий фильма. Хотя основы редактирования требуют только обрезки и наплывов, нелинейные системы включают инструменты для цветокоррекции, различных манипуляций и спецэффектов, эффектов скорости и микширования звука.

Рынок программного обеспечения сегодня как никогда богат на приложения для редактирования видео. Всплеск интереса к любительской видеосъемке, а также доступность устройств для записи послужили причиной появления большого количества всевозможных программ для обработки цифрового видео.

Эти программы позволят вам импортировать сырую видеозапись любых типов файлов, либо записать видео с киноленты. Далее вы можете редактировать видео с помощью временной шкалы, на которой строится вся история. Программа позволит вам проиграть финальную версию и сохранить ее на ленту либо в любом цифровом формате.

Бесплатные программы для монтажа видео (Open Source)

  • Kino (Linux) - хорошо для захвата DV, только базовый функционал.

  • Kdenlive (Linux) - поддержка HD, интуитивно понятный интерфейс, в разработке.

  • Cinelerra (Linux) - поддержка HD, необходимо привыкнуть к интерфейсу. Выполняет 3 главные вещи: захват, композиция и редактирование аудио и видео с эталонной точностью.

  • VirtualDub, VirtualDubMod (Windows) - очень популярный в прошлом (и в настоящем) перекодировщик и нарезальщик видео.

  • Blender3D (кросс-платформный) - возможно 3D моделирование.

  • ZS4 Video Editor (кросс-платформный) - сейчас не разрабатывается, но доступен для работы. Многофункциональный редактор видео, а также редактор аудио и изображений. Эдакий видео-комбайн, с помощью которого можно сделать фильм или коллаж.

  • Cinepaint (кросс-платформный) - широкие возможности обработки изображений. Используется для ретуширования художественных фильмов и профессиональных фотографий.

  • AvideMUX (кросс-платформный) - свободный видео редактор для простых задач: обрезать видео, отфильтровать, перекодировать.

  • CineFX (Jahshaka, кросс-платформный) - система нелинейного видеомонтажа, служащая для создания, редактирования видеоматериалов, наложения эффектов, использующая аппаратную реализацию OpenGL и OpenML для обеспечения интерактивной работы в реальном времени.

  • FFmpeg - набор свободных библиотек с открытым исходным кодом, которые позволяют записывать, конвертировать и передавать цифровое аудио и видео в различных форматах.

  • SUPER © - универсальный медиаконвертер, поддерживающий огромное количество форматов. Прост в обращении.

  • AviSynth (Windows), Ingex (Linux), LiVES (Linux/BSD/IRIX/OS X/Darwin), OpenShot Video Editor (Linux), PiTiVi (Linux), VLMC VideoLan Movie Creator (кросс-платформный) и др.

Коммерческие программы для монтажа / редактирования



  • Adobe Premiere Pro CS5.5 (Windows/Mac OSX) - популярнейший профессиональный видеоредактор. Особенно хорош в связке с Adobe After Effects. Adobe Premiere Elements 9 (Windows/Mac OSX) - образец любительского видеоредактора, отлично подходит для новичков и продвинутых пользователей. 
    Плюсы Adobe Premiere Pro: поддержка 64 бит ускоряет производительность. Удобство пользования и большая функциональность. Интеграция с Adobe Story позволяет широко использовать скрипты 
    Минусы Adobe Premiere Pro: новые версии не поддерживают 32 бита, аппаратное ускорение работает только с определенными видеокартами Nvidia. 
    Цена: $800 (Pro), $80 (Elements)

  • Sony Vegas Pro 10 (Windows) - пользуется заслуженной популярностью среди видеолюбителей, а также используется в профессиональном теле- и кинопроизводстве. Если вы достаточно терпеливы, чтобы узнать все детали и тонкости в этой программе, то это окупится для вас в долгосрочной перспективе.
    Плюсы: множество уникального и полезного функционала
    Минусы:Кривая обучаемости более крутая, чем у конкурентов
    Цена: от $600 (Pro) + $170 (Production Assistant 2), $45-$125 (Vegas Movie Studio HD)

  • Apple Final Cut Pro X (Mac OSX) - полностью обновленный программный комплект для видеомонтажа компании Apple. Множество нововведений. Программу дополняют инструменты анимации Motion 5 и Compressor 4 для кодирования файлов 
    Плюсы: поддержка 64 бит и многоядерности для повышения производительности, дружественный интерфейс, составные клипы, коллекции клипов (альтернативные дубли), гибкая временная шкала, обработка в фоновом режиме, множество удобных инструментов 
    Минусы: не совместим с предыдущими версиями, много временных (?) недоработок (отсутствие возможности импортировать материал с нескольких камер и мгновенно переключаться между ними при монтаже, нет поддержки RED, проблемы со звуковыми дорожками, с экпортом). Только Mac-платформа 
    Цена: $300 + $50 (Motion 5) + $50 (Compressor 4)

  • Cyberlink PowerDirector 9 Deluxe (Windows/Mac OSX) - одна из лучших программ редактирования для пользователей начального и среднего уровня 
    Плюсы: обрабатывает видео быстрее других программ, много эффектов, до 100 дорожек, кейфреймы, таймкоды, 64 бита и многоядерность 
    Минусы: есть нюансы в изучении, но не больше, чем у конкурентов. Нет тегирования и поиска эффектов 
    Цена: $90 (Ultra64), $70 (Deluxe)

  • Corel VideoStudio Pro X4 (Ulead) (Windows/Mac OSX) - популярный видеоредактор, одна из лучших и наиболее универсальным программ. 
    Плюсы: хорошо продуманный, универсальный интерфейс. Много эффектов. Хорош для стоп-моушна и замедлений. Быстрый рендеринг и включение/выключение. Стабилен. Запись Blu-Ray и AVCHD. 
    Минусы: достаточно крутая кривая обучаемости. Ограниченное количество видеотреков. Нет тэгов для клипов или поиска эффектов. 
    Цена: $50

  • muvee Reveal 8 (Windows/Mac OSX) - программа, созданная исключительно для автоматической работы, предусматривающая минимальное вмешательство пользователя. 
    Плюсы: удобна и легка в использовании, быстро работает, достойное качество выходного файла 
    Минусы: ограниченное количество стилей, проблемы с ATI видеокартами 
    Цена: $80

  • Pinnacle Studio HD, Avid Studio (Windows). Avid - один из лидеров в области обработки видео. Помимо профессиональных систем предлагаются и домашние: Studio HD, Avid Studio 
    Плюсы Avid Studio: Красивый интерфейс, работает с проектами с пользовательскими наборами медиа и эффектов. Множество эффектов. Поддержка Blu-ray и AVCHD. 
    Минусы Avid Studio: Иногда незначительная неустойчивость. Медленный в отображении мультитрекового видео во время монтажа. Медленный запуск и рендеринг. Дорогой. 
    Цена: ₤140 (Avid Studio), ₤60-₤100 (Pinnacle Studio HD)

  • Roxio Creator 2011 (Windows) - достойное развитие стандартов индустрии. Прост в использовании и универсален. 
    Плюсы: Open Timeline позволяет прямое перетаскивание видео-, аудио- и эффектов. Захват потокового видео непосредственно с цифровой видеокамеры и может записывать прямо на DVD. Огромное количество форматов вывода. 
    Минусы: Некоторые инструменты редактирования бывает трудно найти без какой-либо практики. Плох в стабилизации и перефокусировке видео. 
    Цена: $100

  • Windows Movie Maker (Windows) - бесплатная программа для создания и монтажа любительских фильмов. 
    Плюсы: бесплатная, простая в использовании 
    Минусы: ограниченное количество функций 
    Цена: бесплатно

  • MAGIX Movie Edit Pro 17 (Windows) - один из козырей - доступность. Этим видеоредактором могут пользоваться как новички, так и более опытные пользователи. 
    Плюсы: 3D и HD видеомонтаж, значительные возможности аудиомонтажа и простота веб-публикации (Facebook, Vimeo, Youtube). До 100 треков, хороший экспорт. Много эффектов. 
    Минусы: требует существенной мощности компьютера, особенно для 3D и HD монтажа. Не меняется размер превью. Нельзя резать клипы перед добавлением на дорожку. Нестандартная терминология, инструменты сбивают с толку, Нет multi-trim. 
    Цена: $60 (Edit Pro 17), $100 (Plus)

  • VideoPad (Windows) - есть бесплатная и платная версии. Прост в использовании, однако, не хватает некоторого функционала. 
    Плюсы: хороша для новичков, ценящих простоту использования 
    Минусы: отсутствуют некоторые продвинутые функции, такие как 3D-редактирование 
    Цена: $21 (Home), $35 (Master)

  • Grass Valley Edius (Canopus) - отличается поддержкой многослойного монтажа AVCHD материала в реальном времени и полном разрешении. 
    Плюсы: поддерживает обработку несжатого видео в форматах SD, HD, HDV, DV, MPEG-2 и MPEG-1 в реальном времени. Неограниченное количеством слоев, содержащих аудио, видео данные или эффекты. 
    Минусы: сложен в изучении, не подходит для полного метра. 
    Цена: $648 (EDIUS 6), $186 (EDIUS Neo 3)

Коммерческие системы монтажа "Все-в-одном"

  • Продукты Avid. Media Composer используется при создании большинства фильмов, телевизионных шоу и рекламных роликов в современной кино- и видеоиндустрии. Symphony - монтажная система, предназначенная для проектов с использованием форматов некомпрессированного видео HD с потоками порядка 1 Гбит/с. Стоимость системы определяется ее высокой производительностью при работе с «тяжелыми» форматами, специальным высококачественным и высокопроизводительным инструментарием и доказанной надежностью. Также есть продукт Avid Adrenaline, "рабочая лошадка" линейки монтажных систем Avid. Производительность системы при работе с «тяжелыми» форматами много ниже. Особенно эффективен при работе с HD-контентом, когда необходимо иметь большой набор входов/выходов видео и звука, в том числе и цифровых.

  • Autodesk Discreet Smoke - интегрированная система для монтажа и окончательной обработки фильмов класса SD, HD, 2K и выше. Также есть другие продукты компании Autodesk.

Программы для пост-производства / Управление проектами

Есть масса общих программ для управления задачами и проектами. А специализированных под управление пост-производством (а также под общее планирование ведения кинопроекта) есть лишь несколько. Можно обратить внимание на такие продукты, например, как ScheduALLGorillaQuantum. Возможно, вам подойдет классический инструмент для совместной работы Basecamp, либо его аналоги.

---

Чтобы построить у себя дома рабочую станцию по редактированию видео, можно воспользоваться информацией о подборе конфигурации компьютера.

Системы нелинейного монтажа,

 

оборудование, станции

 

Информация преимущественно для работников в сфере интернет- и телевещания, крупных теле- и кинопроектов)

Системы нелинейного монтажа на базе PC

  • AVID - нелинейный монтаж цифрового и вещательного качества

  • Matrox RT series - нелинейный монтаж цифрового качества

  • Matrox Axio - нелинейный монтаж SD и HD качества

  • Canopus - нелинейный монтаж цифрового качества SD & HD

  • AJA Xena - нелинейный монтаж HD/2K

Системы нелинейного монтажа на базе Apple

  • Blackmagic Decklink - нелинейный монтаж SD/HD

  • AJA Kona - нелинейный монтаж SD/HD/2K

  • Matrox MXO - захват и мониторинг DVCAM/HDV/HD

  • MOTU V3HD - портативная монтажная система SD/HD

Готовые компьютерные станции на PC. Оборудование для нелинейного монтажа

  • Newtek Toaster VT [5] - телестудия «в коробке». Уникальный программно–аппаратный комплекс, предназначенный для редактирования и обработки “живого” видео, многоуровневого компоузинга, создания видео эффектов, титрования, двумерного и трёхмерного моделирования и анимации.

  • Canopus SD - cистемы гибридного видеомонтажа

Компьютерные станции для 3D, CG, NLE и ProAudio

  • Рабочие станции и серверы на базе Apple Final Cut Studio

  • Станции на базе Canopus Edius 5

  • Станции на базе AVID Media Composer

  • Станции на базе Blackmagic Decklink

  • Станции на базе Matrox

  • Станции на базе AVID Liquid Pro 7

  • Рабочие станции HP

Системы хранения информации, RAID-массивы. Цифровое видео. Нелинейный монтаж

  • FOCUS Enhancements - накамерные дисковые накопители

  • GEE Broadcast Systems - cистемы хранения SAN

  • Infortrend - дисковые RAID массивы

  • EditShare - медиа-сервера для монтажных станций

  • Shining Technology CitiDisk - портативные накамерные рекордеры

  • ATTO - SCSI & Fibre Channel-контроллеры

  • i-Stor - Дисковые массивы

MPEG-1/2/4 кодеры/ декодеры и VCD/DVD

  • Canopus - аппраратные и программные кодеры

  • Stradis - профессиональные MPEG-2 декодеры

  • 3D-Labs - графические 3D акселлераторы

Видеосерверы и Системы Автоматизированного вещания

  • Видеосерверы PlayBox, AirBox, CaptureBox, TittleBox

  • Видеосервер GeeVS

  • Оборудование Digital Media Technologies

  • VSN - Системы автоматизации производства новостей и телевещания

  • Автоматизация вещания AutoPlay

  • Akisport - Системы для создания виртуальной графики

История профессии монтажёра

 

Монтаж - это уникальная творческая профессия. В начале зарождения кинематографа в конце 18-го века существовали писатели, актеры, режиссеры, продюсеры, декораторы, музыканты и хореографы; все они пришли с театральных подмостков. Даже использование новой технологии, видеокамеры, было простым переходом от статичной фотографии. Но не было видеоредакторов. Созвучные по названию литературные редакторы имели какое-то отношение к профессии монтажера в плане работы над сюжетом и сохранением связности, но на языке кино они больше относились к продюсерам, нежели к монтажерам.

Истоки

Однажды один джентльмен снимал уличную сцену, и камеру заклинило, что со сделанными вручную камерами тогда случалось довольно часто. После исправления проблемы кинематографист продолжил снимать улицу. При просмотре фильма он обнаружил, что повозка, проезжавшая посреди дороги, казалось, исчезала прямо на глазах. Прийдя в восторг от этого трюка, он воспользовался этим для создания визуального эффекта, и позже другие кинематографисты повзаимствовали эту технику. Это был первый известный монтаж.

Как спецэффект

Среди лучших представителей этой новой техники был театральный фокусник по имени Жорж Мельес, который создал такую удивительную фантазию как "Путешествие на Луну" (1902г.). Это был "Титаник" тех времен, подробная, с восхитительными спецэффектами, захватывающая, комическая и волнующая драма. В этом фильме монтаж применялся больше как инструмент для эффектов, нежели в повествовательных целях, к чему мы привыкли сегодня.

Повествование истории

Выдающаяся картина Эдвина Стэнтона Портера "Большое ограбление поезда" была одним из самых первых холд-ап вестернов, положившая начало целому жанру в американском кино. Фильм идет всего 12 минут — но эти минуты произвели фурор в кинематографии. Эдвин С. Портер сумел раздвинуть рамки тогдашних художественных и технических приемов. По сути, его работа — это уже серьезное киноповествование, опирающееся на все достижения того периода. Хотя эпизоды были в большинстве сняты длинным кадром, как на театральной сцене, но сцены с героем, мчавшимся на спасение, обрывались сценами с девушкой, на которую напали хулиганы. Наступило время повествовательного монтажа!

Новые идеи из России

Россия была следующей остановкой в истории развития монтажа. В 10-х и 20-х годах такие кинематографисты как Дзига Вертов, Лев Кулешов и Сергей Эйзенштейн экспериментировали над стилями редактирования. Влияние техники Вертова соединения случайных кадров можно обнаружить в фильмах "Барака" и "Коянискацци". Фактически жестокое редактирование Эйзенштейна заметно в сегодняшних экшнах-блокабастерах. А Кулешову удалось систематизировать Русскую теорию монтажа (или Интеллектуальный монтаж), чтобы продемонстрировать, каким образом редактирование, сопоставление двух или более отдельных частей фильма формирует в итоге некий смысл.

В самом известном эксперименте ("Эффект Кулешова") Кулешов взял "короля экрана" Ивана Мозжухина с его невесть что выражающим загадочным взглядом и смонтировал это инфернальное лицо с изображениями женщины в гробу, тарелки супа и играющей девочки. Одно и то же лицо актера при этом казалось то грустным, то веселым, то голодным. Тем самым автор показал, что восприятие фильма подконтрольно монтажу. Это использование нехитрых законов восприятия было сочтено радикальным открытием и по сей день дает пищу для самых изощренных теоретических рассуждений.

Доминантный стиль

Гриффит и другие пионеры американского кино 1920-х годов дали определение того, что сейчас называется Классическим повествовательным стилем кинопроизводства. В нем монтаж нужно стремиться делать незаметным для зрителя. Этот стиль монтажа (также известный как Последовательный или Линейный монтаж) стал настолько доминирующим в мире, что другие стили рассматривались как радикальные и даже нерентабельные.

Монтаж диалогов / Шаг 1: изучение

 

 

текущего съемочного материала

 

Как же произвести монтаж диалогов? Далее мы приведем основные шаги по редактированию разговорных сцен (сценарных диалогов разговорных драм).

Первым шагом будет ознакомление со всеми текущими съемочными материалами (dailies) до редактирования, которые, как правило, подготавливаются ежедневно после съемок. При создании кинофильмов или телевизионных драм вы будете использовать удачные дубли (circle takes).

Удачные дубли

Удачные дубли экономят деньги. Если фильм снят на пленку, то ежедневная подготовка текущих съемочных материалов для монтажа обойдется слишком дорого, поэтому используются только лучшие кадры.

Удачные дубли - это текущий съемочный материал, который по мнению режиссера достоин быть использованным для телепроекции, в аудиосинхронизации и пр. Для 35-миллиметровой пленки, когда режиссеру понравится дубль, он говорит "Снято! На печать!". Как только он скажет "На печать!", руководитель по сценарию, помощник оператора и оператор звукомикшера обводят в кружок номер дубля в своих записях, и тогда будут печататься фильмокопии только этих выбранных дублей. Отсюда и название "circle take" - "обведенный в кружок дубль". На следующее утро, когда режиссер просматривает текущий съемочный материал, он смотрит только удачные дубли. Поэтому, если вы редактируете художественные фильмы либо телевизионные драмы, снятые на 35-мм пленку, текущие материалы, которые будут у вас на руках, уже будут достаточно хорошими.



Практические сцены

Неотредактированные кадры "Горца" больше не продаются. Star Movie Shop (единственная компания в мире, продающая неотредактированные сцены студентам) ограничила доступ к материалам. Никакие другие неопубликованные сцены не были оцифрованы на компьютерах. И даже отснятый материал сериала 50-х годов "Gunsmoke" продается только преподавателям и только на пленке. На самом деле найти хорошие подходящие для практики эпизоды очень сложно.

Обзорный просмотр

Беглый просмотр фильма - очень полезная вещь для определения лучших дублей. Вы отбираете весь текущий съемочный материал, собираете вместе и, согласно сюжетному пути, просматриваете все материалы. Лишь выполнив обзорный просмотр, вы сможете быстро выявить лучшие диалоги.

Эту версию фильма иначе называют грубым монтажом текущего съемочного материала.

Когда вы выбираете лучший звук, вы ищете одновременно аудио лучшего качества и лучшую актерскую передачу диалога. Когда вы просматриваете все ролики в обзорном просмотре, вы моментально обнаруживаете, в каком дубле лучшее исполнение.



В целом... игнорируйте картинку

Т.к. вы ищете лучшее качество диалогов в дискуссии, вам нужно в основном игнорировать изображение и концентрироваться на произнесенных речах. Если вы редактируете удачные дубли, картинка, как правило, не может быть плохой. Изображение не должно быть идеальным, достаточно, чтобы оно было "в порядке". Поэтому, когда вы обнаружите лучший звук для эпизода диалога, не переживайте за имеющееся изображение. Это можно поправить позже.

Процесс монтажа

Когда вы получили лучшие дубли для эпизода диалога, процедура монтажа проста. Если вы используете профессиональную программу монтажа, например, Final Cut Pro, вы можете взять новую копию дубля. Затем вы меняете положение входной и выходной точек ролика. И, наконец, выкладываете обрезанный ролик на временной шкале. Это нужно повторить для каждой части диалога в сцене согласно сценарию.

Как обрезать ролик

На самом деле нет особых правил обрезки роликов каждой части диалога. Однако, предпочтительно между каждой частью диалога сокращать промежуток наполовину. Если взглянете на аудиосигнал ролика, увидите, где прекращается речь одного актера и начинается речь второго. Просто сократите вдвое промежуток между речью (посередине тихого промежутка). Если актеры талантливы, они повторяют свою речь в каждом дубле совершенно. Таким образом, расстояние между частями диалога (по времени) как правило, идеально. Таким образом, если вы удалите половину временного интервала, вы сохраните естественный временной хронометраж. Они сделают всю работу за вас!

ADR = замена диалогов

Приведенные выше инструкции довольно просты. Просматриваете ролики сцены и выбираете те, в которых звук диалогов самый лучший; при этом не обращаете внимание на изображение. Но что произойдет, если у вас есть возможность выполнить дублирование ADR, и вы сможете заменить неудачные диалоги на хорошие, или даже изменить диалог? Поэтому, прежде чем вы заложите фундамент вашему фильму, остановитесь и подумайте: "Если я возьму наиболее привлекательные диалоги (на основе изображения) и заменю диалог на чистый звук, записанный в студии, какой кадр тогда я выберу?" Иногда решение уже принято за вас, потому что актеры стали недоступны. Чем ниже бюджет (и зарплата актерам), тем меньше у вас шансов привлечь актеров для выполнения дублирования. Но ежели актеры доступны, ADR все меняет!

Монтаж диалогов / Шаг 2: грубый монтаж

 

Проверьте интервалы

Когда вы решили, какой звук самый лучший (для каждой части диалога = Актер А говорит это, актер Б говорит то, актер А говорит это, актер Б говорит то), вы в качестве ориентира собираете все ролики вместе согласно сценарию. Это значит, что вы расставили ролики на временной шкале в вашей программе для монтажа, например, в Final Cut Pro.

Когда это выполнено для всего диалога в дискуссии, прослушайте грубый монтаж. Весь диалог должен протекать естественным образом от одного актера к другому, туда и обратно, туда и обратно. Если звучит все неестественно, самое время исправить это. Чтобы наладить временные проблемы, вы настраиваете промежутки между диалогами актеров, чтобы разговор звучал реалистично, когда говорит один, потом другой, и т.д.

Визуальные несоответствия сейчас нестрашны

Когда вы просматриваете грубый монтаж сцены, вероятно, вы увидите визуальные несоответствия, отсутствие целостности между кадрами. Пример: в конце первого кадра актер смотрит в одну сторону, а в начале второго кадра - в другую. Опять же, не впадайте в панику! Это нормально для грубого монтажа. Сейчас просто слушайте диалог и удостоверьтесь в идеальном звучании... весь диалог должен звучать плавно, как реальная беседа. Сейчас диалог - это единственная вещь, которая должна вас беспокоить.



Лучший звук

Как правило, лучший звук исходит от кадров с актером, отснятых крупным планом. Потому что микрофон (который обычно находится над головой, либо вовсе встроен в камеру) ближе к актеру в съемке крупным планом. В большинстве съемок на одну камеру используется лишь один микрофон, который крепится к актеру, попадающему в кадр.



Зафиксируйте аудио

Как только грубый монтаж разговора будет завершен, аудио в целом готово. Убедившись в реалистичности диалога, зафиксируйте звуковую дорожку. Позже вы будете добавлять звуковые эффекты и музыку, но изменять диалог вам уже не придется, все выполнено в период грубого монтажа... кроме случаев, когда вы захотите добавить "повествующую" музыку, о чем будет рассказано позже.

 

Монтаж диалогов / Шаг 3: регулировка

 

 

изображения

 

Следующим шагом будет настойка изображения для устранения любых несоответствий, и, будем надеяться, для создания более привлекательного вида. Но это касается только картинки, которую необходимо подправлять; не звука.

Если вы упустили это, я повторю!

Как только грубый монтаж диалога завершен, закрепите аудио. Таким образом, вы никогда не ошибетесь при настройке изображения. Для программы, подобной Final Cut Pro, вы просто сохраните диалог на отдельной дорожке и заблокируйте те дорожки, где находится запись диалога.

Давайте поиграем в теннис... и поскучаем!

После завершения грубого монтажа изображение выглядит как теннисный матч... с перепрыгиванием туда и обратно к каждому актеру, когда он произносит свою речь. Это довольно быстро надоедает. Также сцена не является достаточно информативной, т.к. вы никогда не видите актера, который слушает собеседника. А если вы не видите слушающего, то вы пропускаете вид того, как люди думают, что зачастую является более важным, чем их слова.

Совмещения и добавление новых кадров

Сейчас мы перейдем к самой интересной части монтажа диалогов - монтаж с прокруткой и добавлением нарезанных кадров.

  • Помните, это касается только диалогов, и не касается последовательности действий. Действия редактируются на основе лучших изображений, поэтому тут нет необходимости вносить корректировки в цепочке действий. Корректировки выполняются только для диалогов.

Визуально изображение диалога можно улучшить двумя способами:

Прокрутка видеоматериала (роллинг)

После того, как вы фиксируете звук, вы можете прокручивать обрезку роликов вперед и назад по времени. Инструмент прокрутки изображения (rolling edit) позволяет просто удлинять один ролик и укорачивать другой без изменения их суммарной длины. Поэтому, редактируя фильм с помощью прокрутки вы не увеличиваете и не уменьшаете длительность сцены.

В наиболее профессиональных программах монтажа присутствует специальный инструмент, предназначенный для прокрутки изображения (для двух соседних роликов). Еще раз убедитесь в фиксации звука, потому что все программы наподобие Final Cut Pro, или Express, или Adobe Premiere по умолчанию будут прокручивать видео и аудио одновременно. Т.к. диалоги после грубого редактирования находятся на своих местах, вам не нужны никакие изменения. Это очень важно уяснить.

Добавление нарезанных кадров (добавление новых кадров)

Наконец, вы можете добавить дополнительные кадры по целому ряду причин. Иногда это нужно для скрытия проблем целостности и связности или просто для замены плохих кадров. Или же вы можете добавить новые кадры, чтобы получше раскрыть историю. Или можете внести новую информацию для обозрения, если простой диалог становится слишком продолжительным и статичным.

С профессиональными программами вы просто добавляете новый клип (нарезанный кадр) на дорожку поверх других кадров. Готово! Большую часть времени вы добавляете только видео, без звука. Поэтому предпочтительно добавлять новые кадры после того, как закончен этап прокрутки.

 

Монтаж диалогов / Раздельный монтаж

 

L-cuts - это тот же самый раздельный монтаж. Блокировка аудио и прокрутка обрезки создают раздельный монтаж, иначе называемым J-cut и L-cut. Это очень мощный инструмент для кинематографистов. Схема кажется тривиальной, но на самом деле она великолепна.

Часто вам необходимо переместить переход всего на несколько кадров назад или вперед. В большинстве случаев, это - единственное, что вам нужно для получения лучшей точки перехода. Существуют более быстрые способы создания L-cuts, однако, фиксация звука и прокрутка видео наиболее просты для понимания.

Раздельный монтаж меняет понимание сцены. Вот почему (важно!):

1. Прокрутка "вперед" в разговоре - реакция

Если вы прокрутите обрезку вперед по времени (на более позднее время), вы увидите реакцию актера после того, как он завершит говорить. Камера продолжает следить за актером после его речи до того, как начнет говорить второй. Хороший актер после завершения своей речи сохраняет на лице очень интересное выражение. Важно увидеть это.

2. Прокрутка "назад" в разговоре - ожидание

Если вы прокрутите обрезку назад по времени, вы увидите ожидание актера прежде, чем он начнет говорить. Перед тем, как первый актер закончит речь, камера перепрыгивает на второго, только собирающегося что-то сказать. Когда вы это сделаете, вы увидите довольно интересное выражение лиц актеров за секунду до речи.

(Помните, что прокрутка для показа реакции применима для диалогов, а не для действий.)

Огромное воздействие

Изображая реакцию и ожидание актеров, вы меняете восприятие сцены. Когда аудитория видит, что переживают актеры, то у нее возникает абсолютно новый взгляд на сцену. Вот почему раздельный монтаж так важен. Это, возможно, наиболее мощный инструмент в руках монтажера.

Это искусство, а не наука

Решать, как далеко и в каком направлении прокручивать обрезку, - это художественное решение. Вам нужно использовать метод проб и ошибок, чтобы найти лучший переход, что бы это ни было! Только ваш художественный вкус подскажет вам, когда будет хорошо.

Надеюсь, сейчас у вас начинает формироваться понимание того, какова задача монтажера. Существует большее количество нюансов, чем те, которые вы можете предусмотреть. Что вы показываете? Что вы не показываете? В диалогах принимать решение труднее, чем в действиях.

Растягивание времени в Последовательности Действий и в Диалогах

Если вы монтируете кадры с действиями, то вы вправе замедлить сцену, чтобы показать ее с различных ракурсов. Когда взрывается машина, вы можете показывать эти кадры со всех точек сколько вам угодно раз.

Но в диалогах у вас нет такой свободы. В диалогах актеры разговаривают на одной скорости. Нельзя менять эту скорость в постпроизводстве. Вы не вправе повторять диалог, чтобы замедлить действие. Беседа должна всегда звучать реалистично, переключаясь от одного актера к другому. В диалоге вы очень ограничены... если вы не используете ловкие приемы!!!

Хорошие приемы для диалогов - Повествовательная музыка

На самом деле, существует трюк, который позволит показать вам больше в диалогах. Добавьте повествовательную музыку (музыка, которая помогает рассказать историю.) В повествовательной музыке вы используете музыку или музыкальные звуковые эффекты для действия наподобие другого актера в диалоге. Когда вы останавливаете беседу, чтобы добавить звук музыки, являющейся чрезвычайно выразительной, пауза в диалоге позволит проявить большую визуализацию. Этой технике монтажерам нужно прибегать почаще.

Чтобы реализовать это, вы в диалоге размещаете разрыв. Затем вы добавляете музыку, которая заполняет место, таким образом, диалог снова выглядит натуральным. Это не должна быть обычная фоновая музыка, которая мягко звучит в фоне. Наоборот, эта музыка должна способствовать разговору. Поэтому она и называется повествовательной. (Позже - более подробно.)

Лучший визуальный переход

Одна из наиболее важных вещей - это связность. Например, после того, как вы прокрутили обрезку, смотрит ли актер в ту же сторону после того, как вы вернулись к нему снова? Если нет, нельзя использовать это. Необходимо найти другую точку перехода. Необходимо прокрутить ролик до того места, где данная проблема связности исчезает. Как это ни странно, насколько просто получить проблемы связности, настолько же просто решить их с помощью прокрутки и изменения точки перехода. Это удивительно.

Следите за проблемой синхронного озвучивания

Другой важной вещью является слежение за синхронным озвучиванием. Большую часть времени, когда вы прокручиваете обрезки, потеря синхронизации не является проблемой. Большинство диалогов снимаются с помощью сбалансированного кадра "через плечо". Во всех подобных кадрах вы никогда не увидите губ молчащего актера. Таким образом, синхронизация не касается данных кадров.

Но в некоторых кадрах, например, широкого плана, зрителю видны губы обоих беседующих. Тут вам нужно быть особенно внимательным, чтобы не показать рассинхронизацию губ после прокрутки. Иногда вам придется вернуться к грубому редактированию и изменить пробел между речами, тем самым выстроите оба клипа на верные позиции (и добьетесь синхронизации). Затем, когда вы прокрутите переход, то увидите губы актера из одного клипа и услышите голос из второго клипа, и синхронизация будет идеальной (или близкой к этому). (Когда вы просмотрите множество картин, то начнете замечать небольшие ошибки синхронного звука до и после перехода. Это, вероятно, из-за раздельного редактирования. Это не достаточно серьезные для внимания зрителя ошибки, так что не переживайте.)

Эй, мужик, это же безобразие!

Еще один вариант использования прокрутки - просто скрыть плохие кадры или ужасные ролики. Иногда вы прокручиваете переходы вперед и назад до тех пор, пока не решаетесь полностью удалить кадр. (Помните, что звук закреплен, и звучит всегда все отлично независимо от того, как далеко вы прокрутили тот или иной кадр.)

3. Делайте особый акцент на одном из актеров в диалоге

Прокрутка переходов также может быть использована в других целях. Вы можете так прокрутить видео, чтобы показать одновременно и ожидание актера перед речью, и реакцию этого же актера после речи. Это чрезвычайно мощный прием, потому что он обращает внимание аудитории на отдельном персонаже. Таким образом, в то время, как говорят другие актеры, вы продолжаете следить за актером, интересующим вас. Это просто реализовать, учитывая, что звук зафиксирован.

Монтаж диалогов / Шаг 4: добавление

 

 

музыки и звуковых эффектов

 

Наконец, вы добавляете музыку и звуковые эффекты к фильму. Вот тут начинается действительно интересно. Музыка важнее, чем вы думаете. Редакторы фильмов не должны игнорировать этот шаг. Музыкальное сопровождение кажется таким обычным делом... но может оказаться удивительно креативным инструментом в монтаже (не только для композиторов). Большинство людей не задумываются о музыке как инструменте для редактирования, но она может стать этим инструментом... если вы захотите. И если вы знаете, как ее применить.

Настроение

Самой главное, что нужно помнить о музыке, - это то, что она диктует настроение сцены. В музыке не обязательно включать песню, мелодию, ритм или что-то еще. Нужно просто, чтобы она создавала настроение. Подумайте о звуке, особенно оркестровой музыке, как она создает настроение. Какой звук порождает страх? Какие звуки создают ужас? Какие звуки рождают радость и счастье?

Пятилетний мальчик, стучащий по клавиатуре пианино во время просмотра фильма - это идеальный композитор для фильма. Большинство профессиональных композиторов не в состоянии думать в этом ключе, потому что их учили сочинять красивые песни. Поэтому не удивляйтесь, если высококвалифицированные музыканты будут без понятия, как создавать музыку к фильму. Школы этому не учат.

Источники музыки

Монтажеры работают над музыкой все время. Они только этого не замечают.

В диалоге (в разговорной речи) уже заложена музыка. Попробуйте прочесть диалог монотонным голосом. Вы сразу прочувствуете разницу. Актерам, обучавшимся в школах, поставлен голос в 3 октавы. В диалогах актер будет варьировать этими тремя октавами.

Когда вы редактируете сцену, вы будете решать, формирует ли голос актера нужное настроение. Если нет, нужна музыка.

Два совершенно разных типа музыки

В диалогах применяется 2 типа музыки - фоновая музыка и повествовательная музыка.

Фоновая музыка - это очень простая и мягкая музыка, которая слышна в фоновом режиме для повышения настроения в сцене. В фоновой музыке отсутствуют барабаны, в большинстве случаев - одна мелодия, и она никогда не совпадает с ритмом диалога. Фоновой музыкой может стать одна нота в течение длительного времени. Это может быть так просто!

Повествовательная музыка. Она совершенно другая. Повествовательная музыка рассказывает нам историю и действует как один из актеров в сцене. В повествовательной музыке могут присутствовать темы с очень короткой мелодией, которая будет ассоциироваться с актером или с действием.

Повествовательную музыку можно добавлять только в промежутках между речью актеров, потому что наложение на речь даст слишком напыщенный эффект. Вот почему при добавлении этой музыки вам иногда нужно вернуться к грубому редактированию и вставить нужный пробел между словами актеров.

Какой длительности нужен пробел? Насколько длинной должна быть музыка? Сперва нужно сочинить музыку, а затем корректировать промежуток. Единственный способ подобрать нужный промежуток - это сотрудничать с композитором во время монтажа... или быть самому композитором! Вот почему лучшие монтажеры также являются хорошими композиторами (или по крайней мере понимают суть сочинения музыки). Это на самом деле не трудно попробовать! (Правда, это займет много времени. Но сделает ваш монтаж лучше.)

Давайте повторим!

Добавление повествовательной музыки подобно добавлению еще одного актера. Так, если вы редактируете сцену с двумя актерами и повествовательной музыкой, разговор уже не ведется в нормальной естественном ритме от одного актера к другому. Теперь музыка вещает зрителю так же, как и актеры. Так что теперь монтаж должен переключаться между актером А, актером Б и плюс повествовательной музыкой. У каждого одинаковый вес. Когда один говорит, остальные его слушают. Если звучит музыка, актеры слушают. Это классный прием, т.к. во время съемки не было никакой музыки.

Прием

Итак, как же вам заставить актеров остановиться и слушать музыку? Не было же никакой музыки во время съемок. На сцене они ничего не слышали... если к тому времени эту музыку вообще сочинили.

Конечно, для этого используется один трюк. Если вы счастливчик (а по большинству сцен вам должно повести), у вас есть кадры, где актеры слушают друг друга. Вы просто используете эти кадры в моменты, когда вам нужны актеры, слушающие музыку. В этих кадрах актер ждет, чтобы ответить. Зритель этого не знает. Поэтому это выглядит как прослушивание музыки.

Собственно, это проще, чем кажется. Как правило, для крупных планов и кадров через плечо вы не видите разговаривающего второго актера. Его губы не видны. Поэтому, до и после речи актера всегда имеются кадры, применимые для прослушивания музыки. Их то вы и используете.

Но я слышу голоса!

Да, когда вы наблюдаете за актером, который слушает другого, вы слышите речь второго актера. Избавьтесь от этого! Просто замените этот диалог на фоновый шум.



Монтаж последовательности действий

 

Все это время мы уделяли внимание и обсуждали монтаж диалогов. А что же насчет сцен с действиями?

Нет никаких правил редактирования сцен с последовательностью действий. В сценах с действиями история рассказывается визуально. Любое изображение, рассказывающее сюжет, будет подходящим. У вас в руках полная свобода действий.

Когда вы редактируете диалог, вы должны придерживаться сценария. Диалог утвержден и его нельзя изменить. А в случае последовательности действий вы вправе делать абсолютно все, что вам заблагорассудится с тем материалом, что есть у вас на руках. Нет никаких правил!

Кинокомпания

 

"КУБАНЬ

 

ПРЕМЬЕРА"

 

    +7 (900) 251 84 50

     +7 (960) 479 67 27 

  Skype:Kubankino.ru

 info@kubankino.ru

 

 


Сайт создан на Setup.ru Создать сайт бесплатно